Danças Urbanas
O que é FEELING ?? Feeling é toda a energia, toda e expressão e balanço que um bailarino coloca na hora de dançar...
Ele senti a música e dança com alma, com coração.. ele entra na batida como se fossem apenas um... Com movimentos completos e bem executados...
UM EXCELENTE DANÇARINO É AVALIADO QUANDO SE TEM E SE FAZ OS 4 FUDAMENTOS DA DANÇA.
O conhecimento que o dançarino demonstra ter, enquanto dança, dos movimentos básicos, e de como se utilizar deles.
Técnica: A limpeza e precisão, assim como uma boa execução dos movimentos.
Ritmo: Esse quesito é o mais importante de todos. O dançarino deve, sempre, estar dançando conforme o ritmo da música.
Musicalidade: O conhecimento musical e capacidade que o dançarino tem de utilizar diferentes seções da música, além da batida principal, como instrumentos, vocais, quebras musicais,e "traduzir" essas seções através de sua dança.
Criatividade: É o quão original o dançarino consegue ser, seja dançando de uma forma diferente e única,ou com movimentos originais (próprios), trazendo algo de novo e criativo para a cena.
Street Dance/Dança Urbana Americana
Street Dance é um rótulo que os americanos criaram para identificar os estilos de dança que surgiram nos guetos e centros urbanos. Muitos pensam que Street Dance é um único estilo de dança, mas na verdade é apenas um termo que engloba vários estilos de dança.A primeira vez que o termo surgiu foi nos anos 30 com o surgimento do Tap Americano (Sapateado).Os negros americanos, influenciados pelo sapateado clássico Irlandês, criou uma dança nova com a técnica percussiva dos sons dos pés somada a estrutura e movimentação corporal das danças africanas, uma vez que estas eram sua herança cultural.
Por ser uma Dança Urbana e que não tinha mais relação com o clássico deram o rotulo de Street Dance.Depois do Tap se estabilizar na América e se tornar uma dança popular entre anos 30 e 60 nada de novo apareceu e o termo Street Dance ficou em desuso. Somente em 69 esse termo ressurgiu quando Don Campbellock criou a dança Locking.
Em seguida nos anos 70 varias outras danças surgiram nos estados unidos com a mesma origem, uma dança Urbana e popular. Apesar de Street em Português significar “ Rua”, para os Americanos ela não tem exatamente essa conotação, porque, neste caso, Street Dance significa “Dança Urbana do Povo” que não veio do meio acadêmico. Não quer dizer exatamente que ela foi inventada ou dançada nas Ruas.Entre os estilos de dança urbana, apenas o B.Boying foi criado exatamente nas ruas, durante as Block Partys (festas de rua), que deram origem à Cultura Hip Hop.
Os demais estilos de dança tiveram diferentes ambientes para sua criação como Clubs (danceterias), programas de TV, Concurso de talentos estudantis etc… É das Ruas porque veio de pessoas que vivem nas cidades.
Nos dias de hoje quando se diz Street dance ou Dança Urbana Americana você entende por: Locking, Wacking/Punking, Up Rocking, Popping (Waving, Scare Crow, Animation, King Tut, Sacramento, etc.), Boogalooing, B.Boying, Freestyle Hip Hop e House Dance.
Sendo assim, quando se diz fazer Street Dance é necessário ter embasamento em todos os estilos desse universo e mesmo que o dançarino escolha uma técnica do Street Dance para se aperfeiçoar, é importante ele saber sobre os demais estilos para poder entender e se integrar a cultura.
Fonte: Frank Ejara (BRA).
Up Rocking
Estilo criado entre 1967 e 1969 pelo dançarinos (Rockers) Rubber Band e Apache idealizadores da crew Dynasty Rockers),do bairro do Brooklyns em Nova York (EUA). Rubber Band desenvolveu a dança com o passo “Jerk” e Apache contribuiu com o gestual das mãos conhececido como “Burn”. Muitas Gangs aderiram ao estilo no inicio dos anos 70 para resolverem suas diferenças sem usar a violência, logo depois o Up Rocking deixou de ter uma relação apenas co membros de gangs e passou a ser uma linguagem de dança que vários jovens aderiram, muitos grupos de Up Rock marcaram o nome da história como: Touch of Rock, Nasty Rockers, Mysterious Rockers , MTC Jigabugs, Dynamic Spinners, Non Stop Rockers, All Star Rockers, Symphony Rockers, IND Dancers, Supreme Rockers dentre outros
Características do Up Rocking: O estilo consiste em uma dança que simula uma luta, dois grupos de dançarinos se formam em linha, sendo que cada individuo fica frente a frente, essa formação é chamada de “Apache Line”. A música é o guia não somente rítmico, mas também lírico para executar os Burns e Jerks. Vence aquele que interpretar melhor a música e “humilhar” seu oponente com sua criatividade ai executar os Burns. No meio dos anos 70 a dança Up Rocking Original desapareceu, porém deixou sua herança com os b.boys do bairro do Bronx que continuaram fazendo seus passos. Cabe lembrar que o dançarino de up rocking era denominadode rocker.
Waacking/Punking
Waacking surgiu originalmente no ano de 1971 no underground gays club de Nova York mas a cultura da dança nasceu em Los Angeles, um estilo de dança vertical que se desenvolveu na Costa Oeste nos anos Soul Train, com a interpretação gay do locking. É uma eletrizante forma de dança,com enfase em movimentos complexos e altamente dinâmicos dos braços e mãos que se assemelham a implantação de Locking no pulso, mas mais exagerado e prolongado e ressaltam sensualidade e força ao mesmo tempo.
Este estilo de dança também incorpora angular afiada poses, que é chamado Vogueing, um estilo comumente feito em conjunto com wacking. Waacking é mais freqüentemente feita por homen e mulheres e agora ele pode ser dançado com um leque de gêneros musicais da casa de Hip Hop.
Este estilo de dança também é comumente incorporado em conjunto com outras formas de dança, tais como Locking e House.Apesar de ganhar popularidade apenas nos últimos anos, waacking estabeleceu mundialmente como uma forma de dança urbana. É divertido, cool, enérgico e adequado para qualquer entusiasta de dança que quer tentar algo novo. Estilo criado dentro dos conceitos do Locking, ou seja, não tem como você separar essas danças.
Locking é praticamente o "pai" do waacking,é necessário saber muito de locking pra entender e se aprofundar no waacking, é o mesmo que Waving dentro do universo do Popping, ou Lofting Dentro do House Dance. Waacking é uma versão gay do Locking, pode parecer engraçado mas é o que aconteceu, uma comunidade gay desenvolveu o estilo dentro dos conceitos do Locking,depois as mulheres e até mesmo dos membros dos The Locker's aderiram o estilo, como Shabba Doo por exemplo.
Shabba Doo foi quem ensinou Lollipop sobre Waacking/Punking, e hoje ela é ainda o maior nome desses estilos, Punking começou com um tipo de brincadeira onde as pessoas gostavam nos Clubes de imitar os casais brigando então,nesse caso Punk vem de bater de espancar.No início as pessoas dançavam juntas para sempre imitar os casais brigando sem se tocar mas depois de um tempo começou a se dançar separado, então foi quando o Waacking se misturou.
Sendo se, assim quando se faz os passos dando socos em cima da cabeça ou no ar, etc .. Isso é Punking, mas não se esqueça que Punking anda junto e que também nem todos os movimentos são Waacking. As duas danças se tornaram uma só.
Pioneiros: Lamont Peterson, Ruben Williams, Derrick Bennett, Gary Keys, Gary Harris, Blinky, Micky Senhor, João Pickett, Tommy Lil, Andrew Arthur, Frank, funileiro, Billy Starr, Billy Goodson, Lonnie Angelo, Carajal Michael, Danny Lugo, Manuel Victor, e Tyrone Proctor.
Primeira Aparição: Show de Diana Ross á rainha da disco music.
Influências de outras danças no "waacking"
*Jazz;
*Afro;
*Dança flamenca
*Locking
*Garbo style
Foundations - Nomenclaturas
1 - MAMMA MIA
2 - CORTEZ
3 - ARCHER
4 - BOLO (TINKER STYLE)
5 - AROUND THE WORLD
6 - WAACK ATTACK
7 - REVIEW
8 - CUCHILLO
9 - ELEGANT
10 - THE STEP BEHIND
11 - SLICE
12 - SITTING STEP DOWN
Fonte: Frank Ejara (BRA.), Urban Groove Stylz One (EUA),
Krump/Krumping
Todos os grandes movimentos começam com um começo humilde, e tal foi o caso com a dança Krump. Seu início precoce pode ser rastreado até 1992, quando em South Central, Los Angeles o residente Thomas Johnson (Tommy Clown) teve um trabalho divertido com sues filhos em uma festa de aniversário. Ele rapidamente descobriu que o seu estilo único de dançar hip-hop, vibe positiva, e de alto desempenho energético foi um sucesso com as crianças.
A partir daí, a mensagem começou a espalhar rapidamente, e um movimento conhecido como "Clown Dancing" nasceu. Freqüentemente confundido com Krump, Clown Dançe foi um desempenho à base de estilo que visa entreter e proporcionar uma saída positiva para os jovens de South Central, em Los Angeles. Durante vários anos, Clown Dancing assumiu Los Angeles e começou a espalhar por todo o país.
Capturando a atenção de Ceasare Willis (também conhecido por Tight Eyez) 14 anos de idade , que tinha recentemente sido transferido de volta para South Central depois brevemente morar na costa leste da ilha, em 1999. Foi no Clowning crew que freqüentemente realizam festa em seu bairro, que ele logo encontrou-se nas esquinas tentando imitar o estilo enérgico de Tommy o Palhaço.
Após uma falha na audição com Tommy's Crew, Tight Eyez foi determinado a dominar equilíbrio e movimento. Ele imediatamente introduziu em si mesmo todos os estilos de dança, incluindo desempenho, como parte do ballet em seu grupo de escola. Direito em torno desta vez, Tight Eyez reuniu colegas como a dançarina Mijo, que inicialmente foi abordado por causa de sua capacidade de dominar a difícil C-walk dança circular, que ela viu Tight Eyez dançando em uma festa.
Os dois rapidamente se tornaram amigos e começaram a trabalhar no laboratório onde iria partilhar ideias e trabalhos em dominar seu próprio estilo de dança. Chamavam-lhe "Wilin 'Out", e fez dela a sua missão de espalhar-lo em partes, as batalhas, ou onde quer que eles tivessem a chance.
O desenvolvimento deste estilo finalmente levou a uma segunda audição com Tommy o lider da Clowing Crew. Na sequência desta audição, tanto Tight Eyez como Mijo integraram-se em uma segunda etapa em Clowning Crew chamada "The Lay Clown's Low" em 2000. Como parte da Crew Lay Low, Tight Eyez e Mijo, convidaram Lil 'C, e começou a ensinar-lhe a Wilin' Out estilo de palhaço dançar.
À medida que aumentou até o nível mais alto, Tommy's' High Class Clown's ", rapidamente se tornou evidente que o seu estilo era diferente dos outros bailarinos. Inicialmente, as sessões de batalha foram realizadas todas as sextas-feiras, e 100 bailarinos e espectadores iriam aparecer para ver os inovadores movimentos, combos, Arm Swings e Chest pops que foram decorrentes dessas sessões.
Tight Eyez e Mijo batizou este excitante novo estilo de "Krump", que foi uma peça sobre o Sul do rap gênero conhecido como 'Krunk'. Krump era um estilo mais agressivo do que Clowning, e era uma maneira de expressar raiva, frustração, e outras emoções intensas, por oposição a apenas entreter espectadores. Em 2001, Tight Eyez, Mijo, e Lil 'C com Tommy's Crew iniciou o processo de passar a palavra deste novo estilo de dança. Embora eles não fossem claramente Clown dancer's, eles ainda estavam pintando seus rostos.
Toda esta situação se altera em uma noite no estacionamento de um supermercado sobre o infame Crenshaw Boulevard. Tight Eyez e sua Crew participou em uma épica batalha contra a rua "Get 'Em Up Clowns", no estacionamento de um supermercado Ralph's. A matéria-prima urban's vibe desta batalha convencido Tight Eyez nota que a pintura já não reflectia o que estavam fazendo e quem eram, e foi neste momento que ele percebeu que ele era realmente um Krumper, não um palhaço.
Embora esta revelação viria a provocar um dos maiores marcos na história do Krump, foi um momento crucial na gênese do Krump. Então Tight Eyez e Mijo formou a Cartoonz, um grupo constituído por dançarinos original Krump, e eles começaram a ensinar aos bailarinos os diferentes estilos que chamaram de Krump. Em 2003, os fundadores do movimento Krump, Tight Eyes e Mijo, formou-se como professores e em 2004, todos eles oficialmente criaram a Crew Krump Kings", que consiste na originalidade Krumpers.
Foi então, com a ajuda da KK inc. Krump que realmente teve o vento que precisava para espalhar um novo movimento mundial. Com filmes e DVD's instrucionais e introspecções dos bailarinos, os seus hábitos e crenças, os jovens em todos os lugares foram capazes de se relacionar com os Krump Kings, foi rapidamente estabelecida como a maior comunidade on-line Krump para bailarinos e praticantes. Desde então, a Krump Kings tem viajado ao redor do mundo, a fim de compartilhar esta arte com os fãs e difundir os ideais em que a Companhia KK Crew representam; Esperança, Liberdade, Amor, Paz, Unidade e finalmente ... Fé.
Seguem abaixo os principais movimentos de Bases;
Clown Dancing, Arm Swings, Chest pops, Chest locks, Foot Stomps, Leg Pops,Hand Grabs, Shoulder Rolls...
Kingdon
Radically
Uplifted
Mighty
Praise
Ragga Jam®
O Ragga Dancehall é o mistério da vida de Laure, nada lhe predestinava a seguir a dança. Porém, sempre foi atraída pelo ritmo e a energia da cultura afro, após procurar aulas desse tipo em 1990 e não encontrar, decidiu criar a dança de seus sonhos. Usou a música que lhe agradava, o raggamuffin, inspirou-se na energia e nas coreografias da dança afro, utilizou uma didática que permitia a todas as pessoas se encontrarem e compartilharem o que sentiam. Assim, criou o Ragga Jam® em 1996 e registrou-o como técnica e marca. Em 1998 foi para as Antilhas ensiná-lo, “Voltei encantada e a resposta das pessoas foi muito positiva. Decidi continuar desenvolvendo minha técnica.” Iniciou a ensinar em Paris e obteve sucesso absoluto, chegando a ter 350 alunos por aula. Mesmo sem o apoio de ninguém no início, por ser branca e ensinar uma cultura negra, Laure encontrou sua manager Stella Diblik, que lhe abriu portas para ensinar em outros países, como Espanha, Itália, Alemanha, Suíça, Finlândia, Hungria, Rússia, etc.
Em 2 anos, o Ragga Jam® foi reconhecido como uma marca internacional, então, começaram os cursos de Formação e as primeiras audições para instrutores e dançarinos em diversos países. Em 2000, a Nike pediu para Laure ser uma de suas atletas européias e ofereceu a proposta de tornar o Ragga Jam® a atividade central da Nike Women, assim nasceu o Ragga Jam® by Nike, que invadiu Paris.
Porém, seu destino levou Laure para as Américas, o primeiro país escolhido para o Ragga Jam® foi o Brasil, onde, nos anos de 2007 e 2008 aconteceram as primeiras Formações Ragga Jam®, de onde saíram os teams de dançarinos e de instrutores brasileiros. Nos últimos 2 anos, Laure continuou rodando pelo mundo levando sua técnica para lugares como o consagrado Broadway Dance Center (NYC) e o conhecido reality So You Think You Can Dance (Polônia)
Em 2007, tivemos a primeira Formação Ragga Jam® Brasil, que reuniu mais de 60 pessoas na Academia EcoFIT Club em São Paulo, com diversos masterclasses e explicações sobre a cultura afro-jamaicana. Em 2008, com mais de 80 participantes, aconteceu a segunda Formação Ragga Jam® Brasil, na Sala Crisantempo em São Paulo.
Neste ano, a Formação Ragga Jam® Brasil, mais uma vez, traz Laure Courtellemont, a criadora do Ragga Jam®, que comanda o curso através de diversos masterclasses, aprofundamento na técnica e pesquisa histórica e cultural. O curso de Formação, ao contrário do que muitos pensam, é um curso aberto para todas as pessoas que tem interesse e querem aprender mais sobre Ragga Jam® e sobre a cultura afro-jamaicana em geral. Todos os participantes saem com um certificado de participação (esse certificado não dá o direito de ensinar a técnica Ragga Jam®).
Nesses 2 dias, os participantes terão aulas práticas (técnica, feeling, danças sociais, sequências coreográficas) e teóricas (sobre a cultura, a dança, a música); uma verdadeira imersão na cultura afro-jamaicana! Para a Formação ser ainda mais completa, nesse ano teremos a presença do DJ Pogo, que tocará ao vivo durante toda a Formação!
Além disso, nesse ano 2010, teremos uma FESTA no domingo, após o curso de Formação (horário previsto das 22h às 02h) com o DJ Pogo e o DJ Guiu!
Esclarecimento: Ragga Jam não é Dancehall e não faz parte do Street Dance, eles apenas andan juntos.
Fonte: Ragga Jam Brasil
Site: www.raggajamofficial.com
House Dance
House Dance surgiu junto com a house music, no início de 1980 após o fim da era da discoteca durante os tempos de clubes como o Warehouse de Chicago, The New York Loft e Paradise Garage. Ele é chamada de House dance porque ele foi desenvolvido mais nos clubes do que na rua. House Dance tem influência de muitos elementos de dança, tais como: Dança Afro, latinas (principalmente salsa), brasileiras, jazz, sapateado, e até mesmo conteporanea. Contrariamente à crença popular, house dance não é um descendente da hip hop dance. Ele não saiu da cultura hip hop, ele não veio das ruas, e na maioria das vezes é dançado com músicas house e disco, em vez de “hip hop”. No entanto, muitos dançarinos de hip hop dance interagem com house e trouzem em sua seqüência esses passos. House é uma forma popular de dança em todo o mundo em que as pessoas estão competindo agora (às vezes até mesmo para prêmios em dinheiro).
Características do House;
House incorpora movimentos de dança de várias fontes, como a Capoeira, sapateado(tap), jazz, dança afro e salsa. Ela inclui uma variedade de técnicas e sub-estilos que incluem skating, stomping, and shuffling. Um dos principais elementos da House Dance é uma técnica chamada de jacking que veio de Chicago e envolve mover o tronco para a frente e para trás em um movimento ondulante, como se uma onda estavesse passando por ele. Esse movimento é repetido e acelera para corresponder ao ritmo de uma canção. Esta técnica é o mais importante movimento de House dance porque ela é a base que inicia os movimentos mais complexos e os footwork. Basicamente no house os pés seguem os movimentos do ombro. Outros movimentos de footwork, jacking e lofting cresceram no house para incluir outros estilos relacionados, tais como vogue, waacking e hustle. No house dance há uma ênfase nos ritmos e riffs sutis da música, e os pés os segue de perto. Esta é uma das principais características que distingue o house, da dança que foi feita para disco music antes do house music e que é dançado atualmente.
House é um estilo, que tem como identidade musical a house music, com raízes nos clubes de Chicago, mas cresceu e evoluiu nos clubes de Nova York. Os passos principais incluem Footwork, Jacking e Lofting. Como o hip hop dance foi criado por negros e latino-americanos e é muitas vezes naturalmente improvisada. Ela enfatiza movimentos rápidos e complexos de pé combinado com ombro.
Influências de outras danças dentro do House Dance:
* Salsa
* Sapateado/Tap.
* Afro (Raízes Afro)
Principais contribuintes para o House Dance inclui:
* Brian "Footwork" Green,
* Marjory Smarth,
* Caleaf Sellers,
* Ejoe Wilson,
* Terry Wright,
* Shannon Mabra,
* Tony McGregor...
Muitos outros antes deles dançaram em lugares como The Warehouse, em Chicago, Paradise Garage e o Loft em NYC.
Pioneiros da House dance no Brasil:
* Edson Guiu
* André Pires
* Kleber de Paula
* Gabriel Bila
* Adriano Mendes
Maiores Contribuintes do House Dance;
Jacking
• Shannon "Which Way" Sha - mestre habilidade na. Um dos Primeiros uma Chegar de Volta para abençoar uma música e uma arte do macaco e casa de Como ele informa Movimentos Todos Os outros fazem.
• Tom McGregor - A partir do skate e do macaco, inovou e expandiu Sobre OS Estilos de Expressões.
• Footwork Brian Green - e com evidente Claramente contrastado Bem Uma Variedade de Elementos de Estilos informados não dance house.
Stomping
• Caleaf Lojas - Um dos poucos podem Que Efetivamente utilizar uma Força dos Movimentos e profundidade Amarrados Juntos fortemente Medidas eficazes em.
• Tony Sekou - disciplinado, Movimentos fortes Mostram Que Claramente o foco EO Sentimento De cada etapa.
• Shannon "Which Way" Sha - Energia Projetada Através de CADA com Passo a Transferência de Força EA Mais Perfeita Intenção.
• Shan S - o assassino ninja Todas Bem versado em artes como, pode USAR o Movimento n acentuar uma musicalidade e Outro softwares antigos Personalidade Como.
Skating
• Brian "Footwork" Green - Trabalho de Corpo suave, com Uma ENORME Capacidade de Transferência Através do Espaço e Ritmo.
• Shannon "Which Way" Sha - manipular um PoDE Energia interna do Corpo parágrafo Viajar NA Todas em dança como Direções.
• Marjory Smarth - com uma sutileza e beleza ELA se mover, permanecendo com a Transições mantidas nd música.
Footwork
• Shan S - Como se não ar, TODOS OS Movimentos Vasta Biblioteca da Casa de dança e música Estão os A Sua Disposição. Tudo Feito, sem Esforço.
• Lojas Caleaf - o Leão da dança, SEUS Pés, Bem Como A SUA dança, Poderosas e São incontestáveis.
• Brian "Footwork" Green COM - Uma extensa Experiência em dança, como elemento contextualização Noções complexas de dança da Mais Entregue em hum Bem Ataque.
• Brooklyn Terry - Clara intensamente atitude e de Aptidão, como São Linhas nítidas e precisas e arriscadas.
• Kahim - Um dos ORIGINAIS do estilosantes suave Hoje vemos que.
• Frankie - Como Que Para muitos vieram casa o ver, se tornaram Bem familiarizados com o estilosantes suave de Frankie.
Lofting
• Conrad Rochester - Uma lenda Entre os Homens, Que Possuem como idéias, o físico, o Fluxo intenso e da Compreensão dos SaBios
• Ejoe Wilson - Um Homem Que Não conhecê Fronteiras, PORQUE Encontra Espaços Suaves Como Perguntas da música.
• "Quick" - a verdade. Energia masculina Autêntica, raízes profundas não da dança solo, do Coração e da cultura.
House Music
House music é um estilo musical surgido em Chicago, nos Estados Unidos, na primeira metade da década de 1980. A origem do nome se deu devido a esse novo estilo de dance music que surgia e começava a ser tocada no night club chamado Warehouse. Os frequentadores da casa iam às lojas de discos a procura das músicas que ouviam no club e pediam por "aquela música da Warehouse", até as lojas começarem a encurtar o nome de Warehouse Music, para apenas HOUSE. Muitos dizem que o House Music é uma vertente da disco music dos anos 70, pois foram estilos de música quase que contemporâneos. Frankie Knuckles é aclamado por muitos como o "pai" da House Music, ele que é um dos pioneiros deste gênero juntamente com outros nomes como Tony Humphries.
Atualmente existem muitas sub-vertentes do house, tais como: Acid housek, Balearic beat, Dark house, Diva house, Microhouse, Progressive house, Electro house, Dream house, Tribal house, Disco house, Vocal house, Hardbag, Grind house, Ambient house, Deep house, Funky house, Ghetto house, Hip house, Latin house, Tech house, Skacid...
O elemento comum de quase toda a "house music" é uma batida 4/4 gerada numa bateria eletrônica, completada com uma sólida (muitas vezes também gerada eletronicamente) linha de baixo e, em muitos casos, acréscimos de "samplers", ou pequenas porções de voz ou de instrumentos de outras músicas. Representa, de certa forma, também uma evolução da disco music dos anos 70. A maioria dos projetos (desenvolvidos por DJs e produtores) e grupos de house music têm como origem a Itália, a Alemanha, a Bélgica, além dos EUA e Reino Unido.
Batida seca, 4/4,com "viradas" de muitas batidas, vocais femininos, melodia alegre e com velocidade próximas a 120 a 135 BPM (Batidas por Minuto). Apesar da House ter seu inicio no verão de 1987, no Brasil ela somente destronou outros ritmos em 1989, quando o Mega Hit Pump Up the Jam (Technotronic) invadiu as pistas do Mundo Inteiro, tornando a Dance Music uma mania mundial. Com o surgimento desse hit no Brasil, a House ficou popularmente conhecida como "poperô". Em 1993 essa mesma música retornou as paradas de sucesso no filme Space Jam, provando que a House Music tinha muito mais fôlego que os críticos poderiam imaginar.
É dificil destacar algum hit como principal, pois a House Music produziu inumeros hits de grande sucesso. Muitos, na época, falaram que a House era um estilo passageiro e que seria apenas mais um modismo, mas passados 20 anos, o ritmo dançante da House Music continua intacto e parece até com mais vigor, agora com o apoio de seus filhotes adolescentes Techno, Psy, Trance e vários outros. Hoje no Brasil a House Music tem se difundido cada vez mais. Inumeras casas noturnas do país fazem sucesso tocando música House e convidando inclusive varios DJ's de renome internacional que passaram a tocar em terras Tupiniquins. Além disso é o estilo mais tocado em festas caseiras, entre amigos (chill-out).
Acid house
Estilo mais radical de house, gênero musical fabricado em estúdio. O acid surgiu de uma brincadeira de Dj Pierre, com o sintetizador analógico Roland TB-303, máquina essa que veio a caracterizar toda uma sonoridade que saiu em bastantes discos e gêneros posteriores. O resultado dessa experimentação resultou a faixa 'Acid Trax', considerada o marco zero da Acid House. Na verdade, sons da TB 303 já haviam aparecido em composições anteriores, mas forma de comportadas linhas de baixo. Na Acid House, a 303 cria ruídos corrosivos, distorcidos, cibernéticos e futuristas. A sustentação rítmica do acid é feita por contrabaixos eletrônicos e baterias programadas. Esses instrumentos são misturados com o auxílio de computadores a samples diversos, como sons distorcidos de guitarras dos anos 60, orgasmos femininos repetidos e seqüenciados, metralhadoras, explosões e diálogos de filmes, sempre organizados de maneira rítmica e cíclica.
O nome "acid" foi herdado, muito provavelmente, do consumo de LSD e, sobretudo, Ecstasy, entre os frequentadores das casas londrinas que tocavam este gênero de música. A alusão ao Ecstasy, ou apenas 'E', aparece também em muitos nomes de canções acid. Há quem diga também que o termo "acid" refere-se ao som característico emitido por um TB-303 ao ter seus botões de controle girados pelo artista na hora da execução de alguma linha melódica, ou até a um selo de LSD, conhecido vulgarmente por "ácido".
No verão de 1987, esse peculiar estilo de House Music deixa sua Chicago natal e aporta no balneário espanhol de Ibiza, muito popular entre os veranistas vindos de toda a Europa, sobretudo ingleses. É ali que a Acid House deixa de ser um estilo da House de Chicago para se transformar em um fenômeno cultural. Os DJs locais dão uma forma mais radical ao estilo, enfatizando o lado eufórico e, sobretudo, psicodélico da música. No verão seguinte é levada para Londres por DJs ingleses, e logo vira hit. É o chamdo 'Verão do Amor' Summer of Love, estopim de uma revolução cultural jovem no Reino Unido. Roupas fluorescentes e coloridas, além de uma atitude ao mesmo tempo amistosa, libertária e energética, dão o tom do movimento. O smiley, um sorriso dentro de uma bola amarela, vira emblema dos adeptos da acid house e é estampado em camisetas. Do Reino Unido, o fenômeno se espalha rapidamente pelos países vizinhos, sobretudo Alemanha, Itália e Países Baixos.
Um dos álbuns que marcam a efervescência acid foi Wanted, de Yazz puxado pelo hit "The Only Way is Up" e "Stand up", chega às primeiras posições da parada de sucessos inglesa e rende a Yazz o título de rainha da house. Também fazem sucesso Into the Dragon, do Bomb the Bass e Jack the Tab cujas músicas supostamente interpretadas por vários grupos – na verdade fictícios, criados pelos computadores do produtor musical Genesis P. Orridge.
A Acid House como vertente da E-Music praticamente foi deixada de lado a partir de 1989, quando se desdobra em outros sub-gêneros, sendo que alguns deles começaram a dominar o mainstream. Entretanto, os ecos do boom acid inicial ainda estão presentes na raiz de diversas produções atuais.
Alguns sucessos da fase Acid House:
Acid Trax - Phuture
Acid Thunder - Fast Eddie
Land of Confusion - Armando
Theme From S'Express - S'Express
Pump up the Volume - M.a.r.r.s
Meet Every Situation Head on M.e.s.h- Jack The Tab
The Only Way is Up- Yazz
Acid break
É a fusão do Acid House com suas sustentação rítmica feita por contrabaixos eletrônicos, sons distorcidos de guitarras dos anos 60 e baterias programadas, normalmente criado com o TB303 daRoland, com as batidas quebradas do Breakbeat.
Soulful House
O estilo de House com forte influencia da Soul Music americana. Herdeiro do Garage House, tem nos DJs de New York seus maiores representantes.
Deep House
Estilo mais introspectivo de House até ao momento. Como o nome indica, baseia-se em sons profundos e calmos, sobre a batida 4/4 característica do House. É representado por diversas escolas com referencias diferentes, do mais orgânico ( West Coast) ao sintético ( Berlin, Londres).
Electro House
Estilo de House com timbres sujos, sintéticos e sombrios e com linhas de baixo ácidas,característica emprestada do electro da década de 80.
Tribal House
O uso de sons tribais (sons da selva) nomeadamente na area da percussão, que é exaustivamente trabalhada. Pensa-se que o tribal surgiu de uma ligação entre a música africana e a electrónica. Pode-se dizer que o Tribal é o casamento da House Music com ritmos africanos, gerando uma mistura de sons alucinante. O Tribal ou Tribal House tem batidas pesadas e fortes, porém menos repetitivas.
Progressive House
Estilo de House que surgiu no inicio dos anos 90. Consiste numa batida 4 por 4 com um bass mais profundo, com uma atmosfera mais elaborada e emocional onde as mudanças na música ocorrem pouco a pouco (A música vai crescendo durante a sua duração e ganhando mais energia, mais força, dai o nome progressivo).
Fonte: Techno Electronic
http://techno.org/electronic-music-guide/
Dancehall Dance; Dancehall Music
Dancehall Dance:
Uma das mais sólidas tradições da Jamaica são os bailes populares embalados pelos Sound-Systems), equipes de som munidas de aparelhagem e alguns disc-jóqueis, que rolam tanto ao ar livre como em espaços fechados. Um lugar onde as pessoas vão para curtir música e dançar, o espaço em que aparecem as novidades da música, da moda e do comportamento.
Com o passar dos anos o circuito dos bailes se tornou uma instituição nacional e base de toda a cena reggae jamaicana. É nele que toda a produção musical passsa pelo crivo da preferência popular, é onde surgem os hits e os astros. O combustível musical dos bailes foi o Ska e o Rocksteady nos anos 60; por toda a década de 70 foi o Roots, e a partir de meados da década de 80 tem sido o Dancehall.
A popularidade do dancehall gerou vários passos de dança que ajudam a deixar as vibes mais energéticas com performaces de palco. Muitos dos Passos vistos em vídeos de hiphop na verdade são variações de Passos do dancehall. várias equipes de dançarinos ganham notoriedade e ao popularizar Criar Passos esses e muitos deejays como Elephant Man e Beenie Man letras escrevem sobre os novos passos de dança que surgem.
Alguns Exemplos de passos de dança: "Like Glue", "O Myspace", "O Bogle", "Heel-Toe", "Blazay-Blazay", "Pon de River Pon do Banco "," Chaka Chaka "," Scooby Doo "," Bob Esponja "," Sinal do Avião "," Hot Fuk "Tek Weh Yuhself", "Whine Up" (mistura de pop, dance, R & B, hip-hop e dancehall), "Boosie Bounce", "Drive By", "É pá", "Para Di Mundo" Dutty Vinho "," Nuh Linga "," Beyonce Wine "," Gully Creepa ".
Elementos da Cultura:
* the Selecta
* the DeeJay
* the Dance
Daggering
Se você não acompanhar as tendências do dancehall , você pode estar se perguntando " o que é " daggering?
O nome pode sugerir algo violento para alguns, mas nada poderia estar mais longe da verdade. Basicamente, daggering é um estilo de dança sexualmente provocativo , que normalmente inclui o homem ea mulher simulando sexo em várias posições sexuais. Mais frequentemente , isso geralmente é " sexo selvagem " definido para o riddim da música que está tocando no momento . Você pode aqui algumas pessoas se referem a ele como " sexo seco " em um baile ou uma festa. Mr. Vegas tem uma música chamada Daggering que tenha sido uma espécie de hino para o estilo de dança.
Dancehall Music:
O Dancehall é um estilo musical popular jamaicano no princípio era um estilo mais escasso e menos político e religioso do reggae do que o estilo das raizes do reggae (Roots) que dominou uma parte maior dos anos 70. O estilo moderno do dancehall é um híbrido e caracteriza "selecta" (DJ Deejay) ou "um" ( MC) Produz e que canta como Próprias batidas com colagens de reggae ou com recursos musicais originais. Geralmente são abordados temas de rudeboys a estrutura musical é enraizada no reggae embora os ritmos jogados digitalmente o tornem consideravelmente mais rápido.
Em meados dos anos 80 o som ficou mais instrumental digital mudando consideravelmente o som. Com o dancehall O Tempo digital (ou o popular "Ragga") foi cada vez mais sendo caracterizado por ritmos mais acelerados com os ritmos com pouca ligação do início do reggae.
Pelos anos 90, o cruzamento do dancehall com muitos gangsta rap era comum o estilo de dancehall moderno também é popularmente conhecido como Bashment.
Começo do Dancehall:
Dancehall o termo veio dos espaços onde realizavam como sistemas de som tocavam e suas festas populares como gravações jamaicanas essas festas eram Chamadas de Salas de dança ".
Mudanças e Políticas Sociais no final dos anos 70 na Jamaica se refletiram em um distanciamento do reggae roots mais internacionalizado em vista um um estilo mais orientado ao consumo local. O governo socialista (PNP) foi substituido pelo governo de direita (JLP). Temas de injustiça social, Repatriação e Rastafari foram ofuscados por letras sobre festas, violência e sexualidade explícita.
Musicalmente Ritmos Antigos ( Instrumentais chamados "riddims") do final dos anos 60 foram reciclados, sendo Sugar Minott creditado como o criador dessa tendência quando ele gravou novas letras antigos riddims no Studio One entre suas sessões de gravação onde trabalhava como músico de Estúdio. No mesmo período o produtor Don estava Refazendo mais antigos riddims no Channel One Studios, usando a banda Roots Radic. A banda viria com alguns riddims trabalhar com Henry "Junjo" das gravações em principais Lawes do princípio do dancehall, incluindo algumas que estabeleceram Barrington Levy, Frankie Paul e Junior Reidgrandes astros do reggae.
Outros cantores emergiram também que no início da era do dancehall como grandes astros foram Don Carlos, Al Campbell e Triston Palmer, enquanto outros cantores de nomes mais sólidos como Gregory Isaacs e Bunny Wailer se adaptaram ao estilo com sucesso. Como sistemas de som logo capitalizaram em cima desse novo som, tais como Killimanjaro, Black Scorpio,Gemini Disco, Hi-Fi Virgem, Vulcão de Hi-Power e também apresentaram Aces Internacional que uma nova onda de deejays (cantores modernos).
Os antigos foram ultrapassados por novos astros como o capitão Sinbad, Ranking Joe, Clint Eastwood, Lone Ranger, Josey Wales, Charlie Chaplin, General Echo e Yellowman, uma mudança que foi reflexo do álbum" A Whole New Generation of DJs "Produzido por Junjo Lawes em 1981, embora muitos deles tenham se inspirado não Pioneiro U-Roy. U-Roy, que já animava o pessoal nos bailes em sistemas de som em 1961, provavelmente foi o primeiro torradeira (improvisador de rimas) da História dub ao cantar sobre versões de canções populares remixadas por King Tubby.
O jeito de cantar no estilo brindar com o passar do tempo Evoluiu para o deejay e estilo, anos mais tarde, gerou o rap norte-americano (através do DJ Kool Herc, entrando em cena então a figura do MC ). Como deejays com gravações se tornaram, pela primeira vez, como mais importantes do que gravações com cantores, com os deejays. Frequentemente novos riddims foram gravados antes dos cantores um reflexo ao vivo dessa experiência veio mais a frente com os álbums Sound Clash de deejays que traziam e Rivais / ou sistemas de som em uma competição para ser apreciada por um público em algum evento, com fitas k7 que circulavam sem e documentavam meio metro um que violência que saia dessas rivalidades.
Dois dos maiores deejays do início do Dancehall, Yellowman e Eek-a-Mouse, escolheram o humor ao invés da violência e ambos se tornaram grandes astros. Yellowman se Tornou o primeiro deejay jamaicano assinou com uma grande gravadora Americana, chegando até a um grau de popularidade na Jamaica no mesmo nível de Bob Marley.
O começo dos anos 80 também viu surgir mulheres deejays como Lady Saw, Sister Nancy e Shelly Thunder que trouxeram uma nova dimensão às festas dancehall. O Dancehall também trouxe à tona uma nova geração de Produtores: Junjo Lawes, Linval Thompson, Clarke e superaram Gussie Jah Thomas Produtores que tinham dominado a cena no final dos anos 70.
O hit "(Under Me) Sleng Teng" de Wayne Smith, com um riddim totalmente digital produzido por King Jammy em 1985, levou o reggae dancehall á um outro nível muitos creditam que essa música foi o primeiro riddim digital do reggae utilizando um teclado Casio MT-40, King Jammy levou o reggae ao dancehall digital no entanto isso não está muito certo, já que há exemplos de produções digitais feitas antes como o single "Sensi Addict" de Horace Ferguson produzido por Prince Jazzbo em 1984.
O riddim "Sleng Teng é um" dos que mais foram gravados e refeitos ao longo dos tempos se nos anos 70 o vermelho era reggae-Dourado-Verde, na década seguinte se Tornou uma corrente de Ouro foi removido de raízes de sua postura e cultura houveram vários debates e puristas entre aquilo que questionavam se ainda seria considerado como sendo uma extensão da Música Reggae.Essa mudança no estilo novamente viu o surgimento de uma nova geração de artistas, como que Shabba Ranks ( Se Tornou o maior artista de ragga no mundo!),
Supercat, Cutty Ranks, Burro Banton houve um novo leque de Produtores que também se destacaram: Philip "Fatis" Burrell, Dave "Rude Boy" Kelly, George Phang, Hugh "Redman" James, Donovan Germain e Bobby Digital. Wycliffe "Steely" Johnson e Cleveland "Clevie" Brown, aka Steely & Clevie, chegaram a desafiar uma posição de Sly & Robbie como os líderes na produção riddims na Jamaica.
Os deejays foram ficando cada vez mais focados em letras de frouxidão (sexo) e violência artistas como Bounty Killer, Cobra, Ninjaman e Buju Banton acabaram se tornando grandes figuras não gênero para acompanhar o som dos deejays mais pesado, surgiu um estilo mais leve de vocal que veio fazer e do reggae roots e uma R & B, falsetes marcado por entonação feminina quase, como Pinchers, Cocoa Tea, Sanchez, Admiral Tibet, Frankie Paul, Half Pint, Conroy Smith, Courtney Melody, Carl Meeks e Barrington Levy. No começo dos anos 90 músicas como" No No No "Da Dawn Penn" O Sr. Loverman "do Shabba Ranks," Trabalhador "Homem da Patra," Oh Carolina "de Shaggy e" Murder She Wrote "de Chack Demus & Pliers se tornaram alguns dos primeiros super hits de dancehall nos EUA e no mundo.
Várias outras variedades de dancehall alcançaram sucesso em meados fora da Jamaica dos anos 90. Tanya Stephens deu um estilo distinto de vocal feminino ao gênero durante os anos 90.
Os anos entre 1990-1994 viram uma entrada de artistas como Buju Banton, Bounty Killer, Lady Saw, Salsicha, Diana King, Spragga Benz, Capleton, Beenie Man e uma mudança ainda maior no som do dancehall, trazida pela introdução de uma nova geração de Produtores e o fim da produção de riddims tipicamente influenciados pelo controle de Steely & Clevie foi a partir de 1992, com uma repercussão internacional considerada homofóbica uma letra da música "Boom Bye Bye" de Buju Banton e com a realidade da violência viram em Kingston (dois deejays Pan Head e Dirtsman), mortos onde mais uma vez marcou outra mudança grande no dancehall , desta vez de volta ao Rastafari e aos temas culturais.
Uma Nova Geração de "singjays" - cantores na linha mais melódica - e "deejays" surgiu voltando à era do roots reggae, como Garnet Silk, Tony Rebel, Sanchez, Luciano, Anthony B e Sizzla classe.
Artistas como Buju Banton e Capleton, que antes se dedicavam letras de negligência, voltaram a escrever mais sobre direitos iguais e justiça. Dessa maneira foi surgindo o novo roots reggae, ou seja, o novo roots reggae, seguindo as tradições nas mesmas dos anos 70 porém com uma pegada mais atualizada, voltada para uma nova geração.
Locking/Lockers
Locking surgiu no início dos anos 70, em Los Angeles, Califórnia, criado por Don Campbell que em 72 formou o grupo The Lockers, o primeiro grupo profissional de street dance na história. Claramente se vê no Locking a influência do Funk. Segundo Shabba-Doo (Ozone no filme Break Dance), membro do The Locking, existia um passo de Funk chamado Funky Chicken (algo como Funk da galinha) o que obrigou Don a fazer o primeiro passo do estilo. Muitos passos foram adicionados como: movimentos de braços minucios/s, usando os cotovelos, mãos e dedos, e é claro muito Funk nos pés. O The Lockers se apresentaram muito no programa “soul Train” de uma TV americana, fizeram shows com James Brown, Pariament, Frank Sinatra, Funkadelie, e influenciaram muitos dançarinos pelo mundo. O Locking é a Street Dance mais antiga e mais clássica. É difícil ver por aí, hoje em dia Lockers dançando, já o Breakin e o Poppin são mais comuns.
Apesar de Don Campbell ser o criador, outros dançarinos deram sua contribuição para o Lockin, como um cara chamado Scooby-Doo e outros chamados Skeeter Rabbit que criaram passos que levam seus nomes. Em todos os estilos de dança saber o básico é importante, mas no Lockin isso é primordial, pois só assim você entenderá a verdadeira forma desta dança.
Fonte: Frank Ejara (BRA).
Coreografia
Uma coreografia (do grego xopoypapia; xopeia “dança” e ypatia “grafia” “escrita”) é arte de compor trilhas ou roteiro de movimentos que compõem uma dança. Em toda forma de balé clássico ela é composta por um grupo de movimentos mais padronizados, na dança moderna os movimentos são mais livres e na dança contemporanes há quase uma quebra do conceito de coreografia já que, ao contrário das outras duas os movimentos são tão livres que nem sempre há uma representação gráfica.
A coreografia serviria portanto para descrever a dança que será executada, ou melhor a coreografia é o conjunto de movimentos e a seqüência deles que compõe a dança que segue em trilha musical. Muito embora haja espetáculos de dança contemporânea sem trilha musical.
Neste sentido as variações de uma coreografia seriam as diferentes formas de interpretação para uma determinada coreografia de acordo com a qualidade técnica e opção artística dos bailarinos.
A coreografia é a arte da composição estética dos movimentos corporais, cuja origem se dá quando surge a necessidade de apresentar uma idéia ou sentimento a um público, através de movimentos corporais expressivos, passando de ritualísticos para cênicos ou espetaculares. A arte de coreografar se desenvolveu, paralelamente com a arte teatral, quando vai deixando de ser um a ato de catarse e de elo com o divino, para servir de diversão e propagação cultural.
Os étimos gregos khoreus (círculo) e graphe (escrita, representação), fundamentam a palavra coreografia. O elemento círculo é uma referencia as danças circulares ea orquestra, local onde o coro teatral grego dançava. Coreografar é desenhar/gravar o espaço com o movimento corporal.
O profissional que cria as coreografias é denominado coreógrafo e o que registra esse movimentos graficamente é o coreólogo. A coreologia é a escrita da dança, que pode ser em pentagrama (partitura), como no Sistema Benesh ou em símbolos próprios de uma metodologia como, por exemplo. No método Laban Notation. Toda linguagem artística possui elementos estéticos específicos, assim como nas linguagens das Artes Visuais, do teatro e da musica, a linguagem da Dança também possui seus códigos fundamentais.
A montagem de uma coreografia exige do artista um domínio dos elementos estéticos já codificados por diversos estudiosos da dança, como o espaço, o tempo, o peso e a fluência,e me relação ao corpo em movimento. Numa coreografia esses elementos básicos dialogam entre sim podendo construir outros sentidos causadores de diferentes sensações no espectador, pois de acordo com a composição realizada poderá obter diferentes resultados, como: equilíbrio, movimento fragmentação, linearidade, etc. O autor pode ainda contar com os recursos específicos das outras linguagens artísticas,
Adicionando maior dramaticidade, alegria, surpresa, espanto, enfim, diferentes emoções quando utilizando adequadamente os elementos da música, das artes visuais, que muito tem contribuído para os cenários, figurinos e adereços, e ainda, elementos do teatro que vem cada vez mais enriquecendo a cena contemporânea com as performances de dança/teatro e as preparações dos artistas bailarinos com sua técnicas próprias do universo do teatro.
A coreografia pode ser criada como uma temática isolada, para ser apresentada de forma independente, e também pode ser produzida como parte integrante de um show musical,
uma ópera, uma peça de teatro, um programa de televisão, e assim por diante. No meio acadêmico a coreografia também possui a denominação de balé, mesmo não sendo uma dança clássica.
10 Dicas Básicas para uma coreografia.
Tendo essa definição para o termo “coreografia”, vamos abordar nesse POST “10 Dicas Básicas” para você, futuro[a] coreógrafo[a] ou coreógrafo[a] conceituado[a]. O detalhe é que o método talvez funcione para outras modalidades de dança, mas é específico para a SALSA.CONFIRAM !!!
1ª Dica - Escolha qual abordagem sua coreografia irá ter. Você pode trabalhar com diversos estilos, tais como: tema+salsa; salsa com efeitos sonoros; outro ritmo [samba, forró, zouk]+salsa, entre outros. Se você for trabalhar com temas de filmes, séries ou desenhos, busque o áudio direto do DVD, ripando o DVD-Video para DVD-Áudio.
2ª Dica - No momento de editar a música, lembre-se que o tempo mínimo para apresentações em casal são de 2 minutos e o máximo de 3 minutos. Para grupos o tempo mínimo é de 4 minutos e o máximo de 5 minutos. Essa tabela de tempo é abordada em 90% dos Congressos Mundiais e Festivais de Dança, no momento da seleção de coreografias.
3ª Dica - A edição com “tema” que não seja com “música salsa”, terá que ter a duração de 30% do tempo total da sua coreografia, ou seja, você precisa dançar salsa por pelo menos 70% do tempo da coreografia. Isso se encaixa tanto para casais quanto para grupos e é abordada em 90% dos Congressos Mundiais e Festivais de Dança, no momento da seleção de coreografias.
4ª Dica - Com a edição pronta, defina as partes onde você incluirá shines, acrobáticos e dança em casal. Corte a músicaem um CD com os trechos de cada parte para treinar [shines, acrobáticos e dança em casal]. Isso ajuda bastante a treinar sozinho e não ficar passando a faixa do CD pra frente e pra trás o tempo inteiro durante os ensaios.
5ª Dica - Depois de ter sua edição pronta, altere o PITCH da música para iniciar os treinos. Faça uma versão mais lenta, uma original e uma mais rápida para facilitar o treino. Esse processo é bastante usual para grupos ou salsas muito rápidas.
6ª Dica - Conte quantos “oitos” de dançarino [1,2,3,4,5,6,7,8] tem na sua música e anote em um papel. Se a sua música tem 20 “oitos”, coloque no papel 20 linhas com “1,2,3,4,5,6,7,8″. Após isso, escute a música contando detalhadamente os “oitos” e “sublinhe” os números que você quer aproveitar melhor na sua coreografia. Esse processo facilita a musicalidade dos seus movimentos, ao invés de juntar passos de salsa e colocá-los na sua rotina. [aprendi esse procedimento com Marcela Moraes e é muito eficaz]
7ª Dica - Faça prioridade de movimentos que você já executa e tem facilidade com a sua dama. O mesmo se encaixa para acrobáticos, shines, giros e poses. Uma coreografia precisa mostrar o que o casal tem de melhor e tentar executar movimentos de outros dançarinos ou mesmo movimentos que você não tem facilidade de executar, só irá prejudicar o andamento de criação e treinamento da sua coreografia.
8ª Dica - Discuta com sua parceira sobre condução e a técnica que vocês estão usando para executar os passos na coreografia. Isso é muito importante para limpar os movimentos e fazer com que o casal tenha maior facilidade de executá-los. Defina pernas, braços, postura, cabeça, ombros, etc … Para grupos, essa dica é ótima pois ajuda a sincronizar melhor os casais.
9ª Dica - Faça o “tempo” ser seu maior amigo na hora de coreografar. Não faça dos horários de treino prático um momento de discutir movimentos. Faça isso antes e teste tudo durante os treinos práticos. Leve sempre mais de uma opção para treinar. Lembre-se que com uma coreografia pronta, é mais fácil discutir o que está bom ou ruim.
10ª Dica - Treine no mínimo 2 horas diárias por pelo menos 3 meses [enquanto aprende a coreografia]. Use esse tempo para definir qual será a execução da coreografia, energia, movimentação no palco, etc … Após esse tempo, aumente o ritmo de ensaios para limpar os movimentos e procure dançar a coreografia em lugares menores, antes de alçar em CONGRESSOS MUNDIAIS e FESTIVAIS DE DANÇA.
Fonte: Blog Soul Street's Dance
Hip Hop Dance (Freestyle)
Dança Urbana Americana originada em meados dos anos 80, em festas e Clubs(danceterias), através de Social Dances (danças sociais) com influência de outras danças (Locking, Popping, Breaking e etc...). Se tornou muito conhecida porque esteve presente em performances e vídeos de artístas da música Rap e R&B.Entre seus pioneiros e colaboradores se destacam: Scoob & Scrap (Dançarinos do rapper Big Daddy Kane) e Buddha Stretch com Elite Force/MopTop).
Hip Hop Dance na prática.No começo Buddha Stretch fala sobre "Lyrical Hip Hop", termo inventado por pessoas que não conseguem fazer o "Real Hip Hop", pois podemos dançar Hip Hop tanto nos instrumentais como nos vocais da música.É exatamente o que ele mostra no vídeo. Esclarecendo:Freestyle não é uma dança, e sim o ato de improvisar, ou seja, Freestyle de Popping significa que estou improvisando na linguagem do Popping,a mesma coisa vale para as outras danças urbanas.
Seguem abaixo os principais movimentos de Bases:
Running Man, Happy Feet, Harlem Shake, Wable, Monastair, James, Fila, Charlie Brown, Rambo, The Wap, Chaplin, Robocop, Chiken, Shamrock, Cake Walk, The Alf, Jerry Lewis, Heel Toe, C-Walk, Happy Fit, The Wop, Woblee, Heel Toe.
Dança
A dança é uma das três principais artes cênicas da antiguidade, ao lado do teatro e da música. Caracteriza-se pelo uso do corpo seguindo movimentos previamente estabelecidos coreogra-fia ou improvisados, (dança livre). Na maior parte dos casos, a dança, com passos cadenciados é acompanhada ao som compasso de música e envolve a expressão de sentimentos potenciados por ela. A dança pode existir como manifestação artística ou como forma de divertimento ou cerimônia. Como á
arte,a dança se expressa através dos signos de movimento, com ou sem ligação musical, para um determinado público, que ao longo do tempo foi se desvinculado das particularidades do teatro.
Para Dancers
1. Coreografe e ensine aquilo que você sabe (não arrisque sua posição inventando moda);
2. Seja um exemplo dentro e fora de aula (os alunos são os seus reflexos);
3. Tenha conhecimento prático e teórico daquilo que ensina (voce é um professor);
4. Só abra a boca quando tiver certeza (não queira explicar o que não conheçe);
5. Não critique e nem fale mal de outros trabalhos (isto se chama, suicídio comercial);
6. Torne-se um artista em aula (afinal de contas a dança é uma arte)
7. Aprenda que pe divertido aprender com os alunos (humildade faz bem a todos);
8. O seu gosto musical nem sempre é o mesmo que o dos outros (seja eclético e democrático);
9. Não engane os alunos dizendo ser o melhor (assim sua imagem será pior e o tombo bem maior;
10. Desenvolva uma didática particular (apenas seja você mesmo);
11. Se mantenha informado (a dança é como a internet, esta sempre com noovidades);
12. Aprenda, aperfeiçoar e depois transforme (isso é evoluir de verdade);
13. Saiba se comunicar em com todos os públicos (treine sua adcção);
14. Seja um mutante com suas coreografias (use seu ouvido biônico);
15. Treine sempre e seja criativo (esse é o minimo de sua parte);
16. Divulgue sua história na dança (as pessoas têm que saber quem você è e de onde veio);
17. Monte suas próprias aulas (se não for capaz disso, volta a fazer aula e abandona o cargo, só não apela para o youtube).
Autor: Fernando Bittencourt
Link: http://orkut.com.br/main#community?cmm=63814769